Así fue la inauguración de “Pensar la ciudad”

“Pensar la ciudad” es el resultado de nuestra I convocatoria para artistas emergentes  que a través de su obra, reflexionan y dialogan sobre la ciudad contemporánea. La iniciativa de nuestra plataforma de arte pretende dar voz a visiones que ofrecen una nueva lectura de los paisajes y sociedades urbanas.

A partir del 26 de septiembre, la exposición quedó abierta para visitas de 11 a 19h y se podrá visitar hasta el próximo 4 de octubre.

Localización: El Invernadero. San Lorenzo, 11. Patio. 28004 Madrid

Comisaria: asun rodríguez montejano, arquitecta, urbanista.

En la convocatoria hemos contado un jurado de excepción: asun rodríguez montejano, comisaria; Elba Benítez, galería Elba Benítez; Carlos Garaicoa, artista; Javier Aparicio, galería El Chico; Paco de Blas, gestor cultural; Carlos Álvarez, editor Piece with Artist y Silvia Hengstenberg, ART U READY y The Sibarist.

Los trabajos seleccionados desafían y profundizan en la compresión urbana, utilizando técnicas como pintura, fotografía, escultura, videocreación, arte digital y también la performance, o hibridaciones de los anteriores.

El arte se muestra como aliado para acompañarnos en ese proceso de reflexión, especialmente el arte emergente, que de forma más fresca y desprejuiciada nos podrá ayudar en la creación de una conciencia crítica y apreciativa de estos grandes artefactos que son las ciudades de hoy.

Para algunos artistas contemporáneos, la situación que viven hoy nuestras ciudades y la vida urbana en general, ha pasado a ser uno de los temas de investigación, apreciación o contestación más radical. Así cuando observamos el panorama artístico, detectamos que ciertos aspectos representativos del mundo urbano actual, están captando el interés del arte y fomentando la creación de imaginarios que reflejan los aspectos a la vez más crudos y amables de la ciudad contemporánea, plasmándolos en producciones formal y conceptualmente inspiradoras. 

Cuestiones relacionadas, por ejemplo, con la comprensión de los procesos que llevan a materializar soluciones genéricas o hiperbólicas de la ciudad y sus arquitecturas; o cómo la memoria del pasado se agranda o desdibuja dependiendo de quien la rescate; las ruinas del pasado como monumentos funcionales del presente..; los barrios obsoletos, las demoliciones razonables e irracionales; la materia fungible de la que parece estar construida la ciudad de hoy; los objetos que colonizan el espacio urbano, sus colores, diseños..; el movimiento, los desplazamientos, el sonido, el recorrido como forma de cartografía …; la sociología urbana de la desigualdades, los lazos comunitarios, las capacidades diversas, las nuevas identidades, la mezcla, la hostilidad o la hospitalidad, los cuidados urbanos, la inseguridad, las formas más o menos legítimas de habitar, la pertenencia..; la calle, las plazas, los descampados, los símbolos…; la salud urbana, los nuevos ambientalismos y relaciones entre los seres vivos, la reivindicación del verde… todos estos aspectos y muchos otros, son escogidos desde la inspección no tan obvia del artista, nutriendo la aparición de nuevos argumentos, conceptos o líneas de investigación a la creación actual. Unos contenidos capaces de apelar a la capacidad crítica del ciudadano en cuanto a su contexto vital, desde la producción de visiones “realistas” implacables o especulaciones sobre hipotéticos futuros.

La sorpresa de la noche fue una increíble performance de la mano de la artista Paula Botella junto con el Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya que cautivó a todos los presentes y la increíble sesión de Paco Pintón. Su música fue el complemento perfecto para una noche inolvidable.

Los artistas de esta exposición colectiva son (en orden alfabético):

Carme Aliaga Perera (España, 1971)

Licenciada en Bellas Artes, en la especialidad de pintura, por la Universitat de Barcelona. Ha realizado exposiciones individuales en los últimos años y participado en numerosas exposiciones colectivas en Madrid, Barcelona, Lleida, Copenhagen, Odense, Skagen, Amsterdam, Buenos Aires, Estrasburgo o París.

Algunas de sus obras forman parte de prestigiosas colecciones. Destaca el Primer Premio Ricard Camí, lo que le permitió integrar su trabajo en la Colección BBVA-Caixa Terrassa. Asimismo, su obra está incluida en la Colección “Testimoni” de Caixabank, en la Colección de la Fundación Banc de Sabadell y en la Colección Fundación Vila Casas.

“Origami Urbà” es una obra en técnica mixta sobre madera que utiliza collage y pliegues de papel para crear prismas visuales, fusionando el arte del origami con la representación del tejido urbano. Explora la ciudad como una metáfora de la complejidad humana en constante construcción, destacando la interacción de la luz con las arquitecturas y las geometrías que generan.

La pieza contrasta la solidez de las estructuras con la fragilidad del papel, enfatizando el desgaste, el rastro y la memoria. A través de la superposición de tiempos y la experiencia de los lugares, crea estructuras pictóricas que invaden el espacio escultórico, utilizando colores intensos y textos aleatorios para sugerir en lugar de describir el entorno urbano.

Daniel Barrio (España, 1988)

Artsta visual cubano residente en Madrid. Comenzó su formación en pintura en la Academia de Artes Visuales de Cienfuegos y la complementó con estudios en Dirección de Arte en la Escuela de Cinematografía de Madrid. Su enfoque interdisciplinario combina habilidades visuales y escenográficas para explorar y criticar las dinámicas culturales, sociales y políticas. Utiliza la pintura como medio expresivo y político, manipulando imágenes para crear nuevos significados y reflexionar sobre la sociedad contemporánea.

Ha participado en exposiciones y ferias de arte, buscando constantemente nuevos medios para abordar temas actuales. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales, las más destacadas “El espacio es el Paisaje” (Madrid, 2024), “Debajo de Cada piel (negra) siempre hay otra piel” (Instituto Egipcio de Estudios Islámicos, Madrid, 2024), Galería María Porto, Hiberia (Lisboa, 2023). También ha participado en ferias de arte como Estampa (Madrid, 2023).

La obra examina cómo la migración transforma la identidad de las personas y refleja la efímera permanencia de los hogares en contextos de desplazamiento. Utilizando la sociología del espacio de Henri Lefebvre, explora cómo los entornos urbanos globalizados deshumanizan a los individuos bajo el control de gobiernos y corporaciones. El arte se presenta como un refugio contra la vigilancia y la comercialización de la identidad, ofreciendo un espacio para la introspección y la resistencia cultural.

“Utopía” critica las dinámicas de poder en las ciudades modernas y celebra el arte como un santuario para la expresión auténtica y la preservación de la diversidad.

Sebastián Bayo (España, 1990)

Se forma como artista desde joven y estudia arquitectura en Madrid. Tras finalizar sus estudios con diferentes premios y menciones, trabaja como arquitecto en Londres, donde comienza su trayectoria artística con la exposición “Expressions” en la Crown House Gallery. En 2016 regresa a España, donde compagina su trabajo en arquitectura y arte, consolidando un enfoque antropocéntrico en su obra.

Desde su regreso, participa en numerosas exposiciones individuales, presentando obras en Vitoria, Madrid, Barcelona y Valencia, al mismo tiempo que continúa su formación como escultor. De escultura serán parte de sus trabajos y exposiciones más recientes. En 2021 su proyecto “Rompecabezas” es elegido para participar en la exposición colectiva Art Battalion, organizada por la galería White Lab y en enero de 2022 se inaugura la exposición “Escombros” en la sala de exposiciones de la Escuela de la Palma.

Una ciudad vista desde el aire ofrece una imagen icónica del impacto humano en el territorio y de la compleja relación entre el medio natural y lo artificial. De hecho, este binomio se pone en cuestión al hablar de Antropoceno, una nueva era geológica definida por la transformación humana y por la asimilación de lo artificial como parte ya inseparable de la composición química y biológica del planeta.

La obra propone una reflexión poética sobre estos conceptos creando un paisaje orgánico y mutable, que es urban y mineralógico a la vez, desdibujando las fronteras entre lo artificial y lo natural. Mediante un sistema de teselas de escayola, se construye este organismo que evoca la magnitud del proceso expansivo de terraformación.

Paula Botella Andreu (España, 1994)

Ingeniera civil con especialización en urbanismo y desarrollo territorial, formada en la Universidad Politécnica de Madrid y la Bartlett School de Londres. Ha trabajado en cooperación internacional con organismos como UN Habitat y la Comisión Europea. Actualmente, está realizando un doctorado en la Facultad de Arquitectura de Madrid, investigando el diseño de paisajes influenciado por la feminidad cotidiana. Combina su experiencia técnica con estudios en Bellas Artes para explorar la poética de los espacios y visibilizar formas de hacer paisaje que han sido históricamente marginadas. Ha dado vida a instalaciones y performances en el corazón del espacio público en colaboración con La Pelubrería, un vibrante epicentro cultural en el barrio de Chueca. Esta unión creativa ha sido la semilla que germina en la obra que presentará en la exposición, cargado de las huellas de esa colaboración que trasciende lo efímero para convertirse en expresión tangible.

En su libro Carne y Piedra, Richard Sennett explora cómo la modernidad y la velocidad urbana han desensibilizado a los habitantes de las ciudades desde el siglo XIX, generando cuerpos pasivos y apáticos. La pieza presentada, parte de un trabajo colaborativo entre la Universidad Politécnica de Madrid y el Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya. Busca contrarrestar esta apatía mediante la creación de nuevos imaginarios urbanos que promuevan la interacción con el entorno. El vídeo resultante explora la transición de una movilidad rápida e impersonal hacia una inmovilidad orgánica y consciente, reflejando cómo la danza y la ingeniería pueden fusionarse para reimaginar la ciudad como un espacio permeable y en contacto con sus ecosistemas.

Solange Contreras Pavez (Chile, 1975)

Artista plástica y visual, amante de los oficios y las técnicas mixtas. Su práctica artística. está influenciada por su experiencia como mujer migrante latinoamericana, madre y estudiante a los 40, centrándose en la desigualdad de género y la desconexión con la naturaleza. Utiliza técnicas tradicionales como la costura y la carpintería para rescatar el pensamiento ancestral, cuestionando el modelo neoliberal a través del valor del tiempo y la dedicación a los materiales.

A lo largo de su trayectoria, ha participado en varias exposiciones colectivas, destacando su colaboración con la Asociación UCM Lanzarte, en muestras como “Autenticidad” (Museo Julio Escobar, Los Molinos, 2020), “Inquietud” (Centro Cultural Alfredo Kraus,  Madrid, 2021), entre otros. Recibió la beca para participar de la residencia en CIAN Fabero, León, auspiciada por la Universidad Complutense de Madrid o la beca para la Residencia artística de Kárstica de la cañada del Hoyo que se llamó “Gestos Reparativos”, financiada por el Museo Neomudéjar.

El proyecto “Infraestructura vegetal” subraya la importancia de reconocer nuestra cohabitación en un ecosistema integral, destacando la etimología de “humano” (derivada de “humus”) para ilustrar nuestra conexión con la tierra y la regeneración de la vida. Se explora cómo los árboles en entornos urbanos mejoran la calidad del aire, reducen el calor y tienen efectos sociales positivos como la reducción del estrés.

Sin embargo, la urbanización actual limita el espacio necesario para que los árboles prosperen, a menudo degradando su entorno. El proyecto aboga por una convivencia armónica y la valorización de las plantas marginadas que favorecen la diversidad en ambientes urbanos.

Julia Grunberg (España, 1988)

Artista plástica madrileña que explora el comportamiento humano en espacios interiores a través de la instalación, intervención, dibujo y pintura. Ha recibido varias distinciones, como las Ayudas de Creación INJUVE, donde desarrolló dispositivos móviles que abordan el espacio como un cuerpo dinámico. Su trabajo incluye exposiciones notables, como en El Chico (2021) y en Ciudad de México (2022), donde exploró la arquitectura de Mario Pani.

Con formación en Arquitectura de Interiores y un máster en Parsons, ha trabajado en proyectos destacados, incluyendo la renovación del Convento de San Marcos en León.

“50% Algodón, 50% Yeso” explora la coexistencia entre la intimidad del espacio interior y el espacio público urbano, utilizando tendederos de ropa como símbolo de esta conexión. La obra rescata la tradición de los tendederos urbanos, reflejando cómo estos elementos revelan la vida cotidiana y la historia de generaciones, especialmente de mujeres que realizaban labores domésticas.

En un contexto de modernización urbana que a menudo elimina estos vestigios de comunidad, la instalación busca rehumanizar el entorno urbano, destacando la evolución del rol de la mujer y celebrando la diversidad y singularidad de las ciudades.

Stefanie Herr (Alemania, 1974)

Arquitecta y artista plástica alemana radicada en Barcelona desde 2002. Su obra fusiona escultura y fotografía, creando piezas multidimensionales que exploran la fragmentación y superposición para alterar significados. Con un enfoque artesanal y minucioso, sus creaciones reflejan sus antecedentes en arquitectura, utilizando papel y cartón para representar datos topográficos y estadísticas.

A partir de 2007, se dedica por completo a la creación artística, explorando también objetos que abandonan la fotografía en favor de una estética de blancura pura.

Ha participado en más de 30 exposiciones individuales y colectivas por todo el mundo.

“Vistalegre” ofrece una crítica al mercado inmobiliario en Barcelona a través de 24 fotos de propiedades en Idealista, que revelan la crisis de la vivienda y el fracaso social al permitir la venta de pisos en condiciones deplorables a precios exorbitantes. Las imágenes, convertidas en cortinas plegadas, ocultan y desdibujan el contenido original, subrayando el desasosiego y la falta de expectativas en el entorno doméstico.

La obra enfatiza el contraste entre el costo desmesurado del espacio habitable en la ciudad y los salarios modestos de los ciudadanos.

Delfina Inés Di Giacomo (Argentina, 2001) y Wanda Acevedo (Argentina, 2001)

Estudiantes argentinas de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido (FADU, UBA), se conocieron mientras trabajaban en el cortometraje documental “Albores”, el cual Acevedo dirigió y Di Giacomo editó. Ambas realizaron el diseño sonoro del mismo. En 2022, iniciaron la investigación que luego se convertiría en “Urdimbre: morfologías e identidad en el espacio público”, un video ensayo experimental sobre el comportamiento y condicionamiento humano en la esfera pública.

Ambos proyectos recorrieron muestras y festivales independientes de Buenos Aires, presentándose en la cuarta edición de la Muestra Magma (2022), en el primer Festival de cortos de Amorina Cine Bar (2023) y de la 12va edición de Cajeta de Pandora (2023). Recientemente, Di Giacomo estrenó “Repercusión”, un videominuto de animación, en la segunda edición del Festival de Cine de Ezeiza. Acevedo presentó también su último proyecto “Periferias” en el festival de Vereda Sur.

“Urdimbre” explora cómo las líneas, recorridos y formas en el espacio público reflejan una red de circulación continua. Motivados por la curiosidad visual, el equipo identificó una analogía entre los tejidos de lana y los espacios públicos, donde la movilidad constante induce una conducta de avance sin posibilidad de detenerse o retroceder sin romper el flujo. Este fenómeno en los ‘no-lugares’— espacios impersonales y automatizados—lleva a una pérdida de identidad individual.

El proyecto busca reivindicar estos espacios urbanos, promoviendo una conexión activa y consciente con ellos.

Rodrigo Moreno (España, 1994)

Artista visual especializado en pintura y dibujo, con formación en la Universidad Complutense de Madrid, donde cursó el Grado en Bellas Artes, un Máster en Investigación, Arte y Creación, y otro en Formación del Profesorado. Actualmente, desarrolla su tesis doctoral sobre visiones gráficas y su relación con las artes y la arquitectura. Su carrera ha sido impulsada por becas y residencias artísticas, como las de San Millán y Ayllón. Ha recibido premios como el del Centro Canalejas y Four Seasons.

Su obra ha sido reconocida en exposiciones nacionales e internacionales. Entre sus exposiciones recientes se incluyen la exposición individual “Espacios Transfigurados” en la Galería Verónica del Hoyo y Colino, Madrid (2022), y las exposiciones colectiva “Revelando en negro” (2023) y “Hacia el umbral” (2022) en la misma galería.

La obra se enfoca en la investigación y representación plástica de la ciudad y la arquitectura contemporánea, considerada como la escultura del siglo XXI y un reflejo del progreso humano. A través de un análisis de las construcciones modernas de Madrid, la obra explora la dualidad entre la fascinación por la innovación arquitectónica y los desafíos de sostenibilidad, equidad social y preservación cultural que enfrenta el desarrollo urbano.

Mina Nogueira (España, 2000)

Joven artista multidisciplinar, graduada en Bellas Artes por la UCM y con un Máster de Producción Artística en la UPV. Su trabajo explora el espacio público urbano y la automatización, incluyendo la inteligencia artificial como herramienta creativa.

Ha participado en varias exposiciones, entre ellas una colectiva “El Escenario Urbano” en la Biblioteca del Mar con una obra colaborativa de instalación de registros de microensayos sobre la expropiación de terrenos de la huerta valenciana y otras como “Sorolla, una nova dimensiò” o “Dalí Cybernetic” con obras audiovisuales de IA.

El proyecto presentado explora la interacción entre el arte y el espacio urbano, utilizando el Arco de la Moncloa como caso de estudio. Este monumento franquista en Madrid, que ha sido objeto de graffiti y actividades juveniles como el skateboarding, se transforma en un juguete de madera reciclada, creando módulos que permiten patinar con “fingerboards”, buscando cuestionar y resignificar su propósito original.

La instalación presenta el juguete junto con un video que contrasta la cultura DIY y los eventos conmemorativos, como una forma de protesta pacífica que reivindica el derecho ciudadano al espacio público. Esta obra habla, pues, de monumento, de memoria histórica y de derecho a la ciudad desde la práctica artística aprovechando estrategias como el juego, la reapropiación y la observación de nuestro entorno cotidiano.

Chema Rodríguez (España, 1988)

Su obra se encuentra en colecciones como Colección Chambao, Colección Aldebarán o Digood Collection, Col·leció Salmaia d ́Art así como en la colección del MAC Florencio De la Fuente, Colección Artillería y en otras colecciones particulares a nivel europeo y americano.

En su obra examina la intervención humana a partir de la substancia, los aspectos fenomenológicos y semiológicos, considerando estos procesos como una investigación continua más que una obra finalizada. Busca constantemente herramientas para manifestar materialmente sus ideas y llevar a cabo un constante cuestionamiento de las imágenes.

Aunque su enfoque multidisciplinario puede parecer fragmentado, esta diversidad revela una unidad en su trabajo, reflejando una conducta cultural en un sostenido debate consigo mismo sobre nuestra percepción del mundo.

Explora la acción de hacer y deshacer en relación con el entorno y las relaciones interpersonales, desmantelando estructuras aparentes para revelar las conexiones subyacentes. Basada en el deconstruccionismo de Derrida, la pieza escultórica interactiva cuestiona los dualismos tradicionales (presencia/ausencia, razón/emoción) y muestra cómo estos conceptos están interrelacionados y dependen uno del otro. La escultura, compuesta de módulos reconfigurables, refleja la flexibilidad y la naturaleza cambiante de los significados y experiencias, está ideada para interactuar con ella, ya que ninguna de sus partes está fijada entre sí, permitiendo así alterar sus distintas formas; no obstante, la lógica visual solo permite una única configuración para mantenerse erguida. Aplicar el deconstruccionismo a las relaciones humanas permite una comprensión más matizada y flexible de las conexiones y tensiones en la sociedad.

Dayana Trigo (Cuba, 1990)

Artista cubana que divide su tiempo entre La Habana y Madrid, doctorada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Con experiencia pedagógica en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro de Cuba, ha participado en importantes eventos como la XI Bienal de La Habana y la XIII Bienal de La Habana, y ha sido seleccionada para residencias artísticas en Azkuna Zentroa.

La obra es un díptico que explora la interacción entre lo íntimo y lo social a través de la pequeña columna de madera, conocida como “alma”, en los violines. Compuesta por un video en loop y una partitura circular, el video muestra repetidamente el intento fallido de colocar el alma en el violín, transformando este acto en un gesto político que simboliza la búsqueda de un lugar en un espacio armónico.

La partitura circular, complementada con fotografías urbanas del alma en diferentes escenarios, utiliza la notación improvisada para reflejar la incompletitud y la constante búsqueda del alma, tanto en la música como en la vida urbana. Esta combinación de vÍdeo, fotografía y partitura ofrece una reflexión sobre la construcción del individuo y el colectivo, así como sobre la relación entre la arquitectura sonora y urbana.

Su obra, influenciada por la arquitectura, explora conceptos como el objeto-testigo y la arquitectura sensorial a través de instalaciones y objetos que actúan como cápsulas de tiempo, interrogando las fuentes de su inspiración.

En esta primera edición, hemos contado con un artista invitado (fuera de concurso), que ha ejercido de anfitriona de los nuevos talentos. Bárbara Pérez (España, 1977).

Arquitecta y desde 2017 también dedicada a un tipo de escultura integrada en el contexto, enfocándose en la naturaleza y el agua. Trabaja con artesanos para materializar sus piezas, valorando la transmisión del conocimiento artesanal. Utiliza técnicas romanas manuales con mortero de cal, involucrando al maestro artesano Luis Prieto en todo el proceso. Las herramientas se fabricaron con materiales reciclados y la técnica permite diversas combinaciones geométricas adaptables al espacio urbano.

Ha participado en numerosos concursos y exposiciones, tanto individuales comocolectivas. Su trabajo se presentó en la Feria Arco con la galería Espacio Valverde en 2023 y 2024.

La obra se centra en la recolección de agua de lluvia en pequeñas porciones, para devolverla lentamente al terreno por el filtrado del material y así mitigar sequías e inundaciones, además de atraer flora y fauna. Cuestiona las prácticas constructivas actuales y la capacidad de los escombros para reintegrarse en la naturaleza. Estudia las formas naturales, evitando la ortogonalidad y racionalizando las curvas, mientras cuestiona las prácticas constructivas actuales y su impacto en el medio ambiente.

La inauguración fue todo un éxito. Acogió al público más relevante del panorama del arte madrileño, donde medios, coleccionistas, diseñadores, arquitectos, artistas, clientes y amigos pudimos disfrutar de una increíble velada con los artistas como anfitriones, el mejor catering de la mano de BeChic, los vinos de D.O Rueda de la mano de Mateo&Co y Bodegas Bela, la cerveza La Chulapa elaborada artesanalmente por el hotel The Madrid EDITION, el mejor jamón gracias a Enrique Tomás y la música de Paco Pintón con el mejor sonido e imagen gracias a Bang & Olufsen.

La exposición finalizará el 4 de octubre, la venta de obra continuará de forma online. Descargar catálogo

Bang & Olufsen, firma danesa con 95 años de tradición de emblemáticos e icónicos equipos audiovisuales. Líderes tanto por su calidad tecnológica como por su diseño atemporal con materiales nobles y artesanía. Disfrutaremos de sus elegantes piezas patrimonio musical para acompañar a nuestra exposición con el mejor sonido.

Enrique Tomás, con más de cuarenta años de tradición, selecciona los mejores jamones artesanales. Cuidadosamente atendido desde el principio, se asocian con artesanos del jamón y productores que comparten su pasión.

Mateo & Co, consultoría estratégica de marketing y comunicación especializada en gastronomía y alimentación.

D.O. Rueda, denominación de origen que se crea en 1980, siendo la primera reconocida en Castilla y León. La zona de producción está integrada por 74 municipios de las provincias de Valladolid, Segovia y Ávila. La D.O. Rueda está especializada en la elaboración de vinos blancos, de amplio reconocimiento nacional e internacional.

The Madrid EDITION es el único y primer resort urbano de lujo lifestyle del centro de Madrid, ubicado estratégicamente en el vibrante corazón de Madrid. La llegada de la marca EDITION a Madrid se ha convertido en un impulso para la capital española, gracias a su oferta refinada que condensa la fascinante individualidad y esencia de la ciudad. Exclusiva de The Madrid EDITION, La Chulapa es una cerveza artesana que sen encuentra disponible en todos los restaurantes y bares del hotel, así como en el mini bar de las habitaciones.  La Chulapa es una cerveza elaborada por la cooperativa artesana Bailandeira, con base en la Sierra de Madrid y formada exclusivamente por mujeres. En su creación, se utilizan ingredientes como agua, levadura, malta de cebada, trigo, avena, lúpulo y flor de Jara, los cuales le brindan un sabor único y una identidad propia. 

Bodegas Bela es un homenaje a los fundadores de CVNE, en forma de viñedos singulares y bodega.  Es un nuevo ejemplo del modelo de CVNE, basado en la elaboración de vino de calidad, artesanal y tradicional, y un espacio para el enoturismo único en mitad de la denominación.

Bechic catering catering boutique con sede en Madrid que nos acompaña en todos los momentos especiales

Conservatorio Profesional de Danza Carmen Amaya, conservatorio en Madrid donde se imparten enseñanzas oficiales de Danza Clásica, Danza Española y Danza Contemporánea.

Fotos exposición: Nieves Díaz

Fotos inauguración: Charo Gil